viernes, 28 de junio de 2024

Arcimboldi



Federico Cantú.
Giuseppe Arcimboldo, también escrito Arcimboldi (Milán, 1527-ibidem, 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos: pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones ópticas o también la llamada pareidolia. A esta técnica y tópico pictóricos se les llamaron «cabezas compuestas», intrincaciones de manera antropomórfica, de carácter paródico, simbólico y extraño, que serían particulares del pintor.
El padre de Arcimboldo, Biagio, fue artista y vidriero milanés. Como su padre, Giuseppe Arcimboldo empezó en el oficio familiar de elaborar vitrales, mosaicos y frescos para las iglesias lombardas. Entró al gremio de pintores de Milán a los 21 años. Con 35 partió a la Corte imperial en Viena como pintor de cámara del emperador Fernando I, y luego lo fue de su sucesor, el emperador Maximiliano II, y de su hijo, el futuro Rodolfo II, esta vez en Praga. Allí se halló inmerso en la ebullición de la cultura humanista, que aprovecharía.

En la capital bohemia ganó el favor del excéntrico Rodolfo II, decorando mascaradas y confeccionando trajes festivos, así como espectáculos aparatosos de teatro, justas, nupcias, circos y bailes. Los fastos peculiares incluían ornamentaciones y artificios de fuego.
Las cabezas metafóricas que lo identifican, inseparables de su nombre, en que frutas, hierbas, vegetales, raíces, cárnicos, libros, llamas, utensilios o animales se entrecruzan para formar semejanzas faciales, son una concatenación de símbolos y sutilezas a veces inexplicablemente armónicas, otras forzadas pero sugestivas, ya cerca del estilo manierista. El fenómeno mental de ilusión de estos cuadros es un estímulo de comparar aleatoriamente reconocimientos antropomórficos en lo percibido, con la significación distinta a qué el objeto separado de la combinación representara.
Así, los retratos alegóricos guardan similitud con fisonomías humanas hasta entramar elementos a modo de concordancia anatómica, grotescas y curiosas a un tiempo. El efecto pictórico de ese simbolismo proyecta sorpresa, divertimento, virtuosismo y, al final, cierta levedad de las formas difuminadas, evanescentes, con que la recreación alude a lo identificable.
Federico Cantú lleva la imagen de Arcimboldo a nutrir su basta creatividad en lienzos , grabados y esculturas


Bo 
CYDT Collection



 

miércoles, 26 de junio de 2024

 Hiroshige








Yoshida: The Toyokawa River Bridge (Yoshida, Toyokawabashi), from the series Fifty-three Stations of the Tôkaidô Road (Tôkaidô gojûsan tsugi no uchi), also known as the First Tôkaidô or Great Tôkaidô


「東海道五十三次之内 吉田 豊川橋」

Utagawa Hiroshige I(Japanese, 1797–1858)
Publisher: Takenouchi Magohachi (Hoeidô)(Japanese)

Japanese 

Edo period 

about 1833–34 (Tenpô 4–5) 


Medium/Technique Woodblock print (nishiki-e); ink and color on paper

Dimensions Horizontal ôban; 24.5 x 36.9 cm (9 5/8 x 14 1/2 in.)

Credit Line William Sturgis Bigelow Collection

Accession Number11.38878

NOT ON VIEW

CollectionsAsia,Prints and Drawings

ClassificationsPrints

Catalogue Raisonné Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 245, horizontal ôban #55.35 









Utagawa Hiroshige

 

 


Utagawa Hiroshige (歌川広重?), seudónimoartísticode Andō Tokutarō (安藤徳太郎?)nota 1​ (Edo, actual Tokio, 1797-ibídem, 1858), fue un pintorjaponés. Perteneció a la Escuela Utagawa, una de las más reputadas del estilo ukiyo-e. Hiroshige fue uno de los principales exponentes del paisajismojaponés, llevando esta disciplina a un nivel artístico y de estilo de gran calidad. Es también conocido como Andō Hiroshige (安藤広重?) e Ichiyūsai Hiroshige (一幽斎廣重?). 

 

Hiroshige era dibujante,grabadorpintor, con una prolífica obra desarrollada entre 1818 y 1858, etapa en la que creó más de 5400 grabados. Se distinguió por series de estampas sobre el monte Fujiy sobre Edo(actual Tokio), dibujando con maestría los paisajes y la atmósferade la ciudad, y captando los momentos de la vida diaria de la capital nipona antes de su transformación durante el período Meiji(1868-1912). Estas obras se caracterizan por su formato vertical, por el control sutil del cromatismo—con el dominio del verdey del azul— y su sentido del primer plano, que sería imitado, más tarde, por la fotografíay el cine.

 

Fue uno de los últimos representantes delukiyo-e, y en particular del grabado, al que condujo a una cota de gran calidad antes de la decadencia de la xilografíaen Japón. Hiroshige fue un humilde intérprete de lanaturaleza, pero sobre todo fue un verdadero genio cuando se expresó con la ayuda de los medios limitados del grabado sobre madera, haciendo surgir las delicadas transparencias de la atmósfera al compás de las estaciones, en paisajes donde el ser humanoestá siempre presente. 

 

Poco después de la apertura forzada del Japóna los intercambios comerciales con Occidente, fue principalmente a través de la obra de Hiroshige que Europadescubrió hacia 1870 la asombrosa originalidad de las artes gráficasniponas. Su obra influyó en numerosos artistas europeos, creando un estilo denominado japonismo, que tuvo una influencia determinante sobre movimientos como el impresionismoy el modernismo.

Utagawa Kunisada, donde se especifica que murió a los 62 años). Era hijo de Andō Genuemon, un capitán de bomberos(hikeshi dōshin) de casta samurái, que ejercía como inspector de incendios en el distrito de Yayosugashi —actual barrio de Marunouchi—, por lo que recibía un sueldo directamente del Shogunato. Era un cargo hereditario, que transmitió a su hijo al morir, en 1809. Ese mismo año murió también su madre. En su juventud recibió los nombres de Tokubei y Jūemon, ya que era costumbre en esa época cambiar a menudo de nombre o añadir varios al principal.

 

Desde su niñez mostró un gran talento para el dibujoy la pintura, por lo que desde los diez años recibió clases de pintura, a cargo de Okajima Rinsai, un pintor de la escuela Kanō. En 1811 entró en el taller de Utagawa Toyohiro, del que llegó a ser su principal y más dotado discípulo. Al cabo de un año, en 1812, recibió el nombre artístico de Hiroshige, al tiempo que otro sobrenombre para el taller, Ichiyūsai —transformado en 1832 en Ichiryūsai (a veces reducido a Ryūsai)—. En aquella época era usual utilizar diversos nombres para sucesivas fases de la vida, como intento de propiciar la buena suerte. De igual manera, a la muerte de su maestro en 1828 se hizo cargo de su taller, adoptando el nombre de Toyohiro II, que, sin embargo, prácticamente no utilizó, quedándose con su nombre de aprendiz.

 

En manos de su maestro, Hiroshige se formó en el estilo característico de la escuela Utagawa, centrándose en la representación de mujeres bellas (bijin-ga) y actores del teatropopular japonés kabuki(yakusha-e). En sus primeros años realizó pocas obras, quizá debido a sus obligaciones en la estación de bomberos. Sin embargo, en 1832 renunció a su cargo, que transmitió a su hijo Nakajirō, dedicándose por completo a su labor artística. Fue ese el verdadero comienzo de su carrera y el inicio de su éxito, como el conseguido con su primera serie, Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tōkaidō (Tōkaidō Gojūsantsugi, 1832-1834). Desde entonces se dedicó casi en exclusiva al paisajismo. Sus obras, sin embargo, contra lo que pudiera parecer, raramente están ejecutadas a la vista del paisaje original, sino que son reinterpretaciones basadas en ilustraciones de las guías de viaje. Al parecer, Hiroshige no viajó mucho y llevó una vida bastante sedentaria en su ciudad natal, Edo. 

 

Hiroshige estuvo casado en dos ocasiones: con su primera esposa —de la que no se sabe el nombre— se casó en 1821, enviudando en 1839; más tarde, en 1847, se casó en segundas nupcias con Yasu, quince años menor que él. Con su primera esposa tuvo un hijo, Nakajirō, mientras que con la segunda adoptaron una niña, llamada Tatsu, que posteriormente se casaría con Hiroshige IIy con Hiroshige III, los dos discípulos del maestro. En 1849 se trasladó a Kanōshindō, en el distrito de Nakabashi, donde construyó una nueva casa. De su vida cotidiana se sabe que era algo disoluto, así como un gran aficionado a la gastronomía. Sin embargo, a los 60 años (en 1856), se convirtió en monje budista, tras el ritual de afeitarse la cabeza.

 

Hiroshige murió de cóleraen 1858 (el sexto día del noveno mes del año 5 de Ansei, según el calendario japonésnota 4​), debido a una epidemiaque se desató por la ciudad, cobrándose 28 000 víctimas. Fue enterrado en el cementerio del templo Asakusa Tōgakuji, en una ceremonia al estilo samurái, y recibió póstumamente los nombres de Genkōin Tokuo Ryūsai Shinji. Tuvo varios discípulos, los dos principales que llevaron su mismo nombre, Hiroshige IIHiroshige III, junto a diversos otros como Utagawa Shigemaru, Utagawa Shigekiyo, Utagawa Hirokage, Shōsai Ikkei, etc.

 

 


La vida es un regalo,
un tesoro valioso y breve,
que debemos aprovechar
para amar, para crear,
para dejar huella en el mundo.

 

Para Federico la figura materna es parte y esta incluida dentro de su legado artístico , donde Loreley aparece como Madona, Sra. Santa Ana , Dolorosa …….   Pero no solo la imagen sacra es parte de esta narrativa , su imagen esta presente en la grafica , dibujo y tintas y oleos . En esta publicación Loreley aparece como referencia a un hecho , la trama inicia cundo Federico se debe ausentar para iniciar un camino propio en NY , que si bien pinta bien , la realidad económica mezclada muestra otra realidad , es decir , cobrar mucho en NY cuando todo cuesta mucho o mas , crea una realidad paralela , que bien podemos comparar con lo mucho que puede ganar un bracero en el extranjero , pero que cuando hace cunetas el costo de la manutención , apenas puede reservar algunos cientos de Dlls . De ahí este momento en la distancia cuando Federico decide a menare de recuerdo trazar esta imagen de Loreley , una obra poco conocida , pero muy especial .

 

Adolfo Cantú

Colección de Arte Cantú Y de Teresa




Al iniciar el crudo invierno de 1938 , Federico se encuentra trabajando una serie de obras por encargo pasando tiempo en Pittsburgh y Nueva York, por las cartas de relación de Federico a Gloria durante esta época podemos asegurar que fue en ese invierno cundo surgen dos problemas paralelos que cargara a cuestas Federico: el primero es que Fede su hijo queda a la deriva al declarar como demente a la que fuera su primer esposa  “Luz Fabila” , y si bien la información que recibirá no es del todo exacta! , el segundo hecho es que Loreley sufre una embolia y por lo tanto podemos imaginar que tambien la información estará dócilmente dosificada y posiblemente para demandar una renta mas caudalosa que surja de la venta de obras de arte en NYC

 

Estas dos malas noticias llegaran ya entrado el invierno , pues en cartas anteriores ,  y despues de platicar en un cocktail donde asistía Frida Kahlo y Los Tamayo, reitera invitar a Gloria para regresar a Paris y en una de esas coincidir con la exposición de Frida. Lo que queda claro es que la idea se ira por la borda y ya en enero habla de la posibilidad de que tanto Gloria como su hijo se trasladen a Nueva York , pero una vez que termine el invierno.

 

Entrados a la primavera de 1939 y evidenciando una carta a Inés Amor donde le pide comprar un regalos de cumpleaños para su hijo y no existiendo carta alguna de Federico a Gloria , vemos que ambos se encuentran ya juntos viviendo en Nueva York.

De ahí a que un testimonio narrado por Raúl Anguiano , nos ratifica  el hecho de Gloria en NY, la describe como “creo que ella no podía hablara”  , si bien Gloria quedo inmersa en la sordera desde niña , por supuesto aprendió hablar bien y tambien podía leer perfectamente los labios y es asi como se comunico simpre , dato extraño la paciencia de Federico para consecuente durante cinco décadas este mal estar 

 

 

Who is Who in NY-Adolfo Cantú