WILLIAM JOSIAH REDWORTH (REINO UNIDO, 1873-1947).

VISTA DE WINDSOR

Óleo sobre tela. Firmado y fechado en 1902

Cantú Y de Teresa Collection

Christies

. William Josiah Redworth (1873-1947)

Buckinghamshire, este pintor estudió en la Escuela de Arte de Chelsea y mostró en los principales lugares de exhibición de Londres incluyendo RA, PS, RI y RI . También mostró en Escocia en la RSA.

La Escuela de Arte se fusionó con la Escuela de Arte de Hammersmith, fundada por Francis Hawke, para formar la Escuela de Arte de Chelsea en 1908. La escuela recién formada fue tomada por el Consejo del Condado de Londres y un nuevo edificio erigido en Lime Grove, Con un plan de estudios extendido. En 1914 se erigió en el mismo lugar una escuela de comercio para niñas. La escuela adquirió locales en la calle Great Titchfield y fue alojada conjuntamente con la Escuela Politécnica de Quintin Hogg en Regent Street (un precursor de la Universidad de Westminster). El campus de Manresa Road introdujo la pintura y el diseño gráfico en 1963, siendo ambas disciplinas particularmente exitosas. Durante este período, Chelsea tuvo la más alta inscripción de estudiantes de bellas artes en cualquier escuela de su tipo en el país, produciendo muchos artistas notables como Ossip Zadkine, Mark Gertler y Paul Nash.

Lawrence Gowing, pintor e historiador del arte, fue designado como el primer director de la Escuela de Arte de Chelsea. Fue responsable de la integración de la historia y la teoría con la práctica, empleando artistas en lugar de historiadores del arte para enseñar historia del arte y la teoría. Este enfoque sigue siendo intrínseco a la filosofía de enseñanza de Chelsea hoy. En Gowing, se introdujo un programa de opciones, que abarcó talleres de música experimental, poesía, psicoanálisis, filosofía y antropología. Un curso de diseño básico, iniciado por Victor Pasmore y Richard Hamilton, también se desarrolló durante el mismo período, convirtiéndose en la base del actual curso de fundación de la universidad en arte y diseño.

La escuela de arte de Chelsea era un estudio de enseñanza situado en los n. ° 4 y 5 estudios de Rossetti, calle de la inundación, Chelsea, que fue abierto en el otoño de 1903, por Guillermo Orpen y Augustus Juan que actuó como co-directores. Los artistas habían estudiado juntos en el Slade y aunque se pensó como una empresa conjunta, la mayor parte de la enseñanza y funcionamiento de la escuela fue emprendida por Juan, con la contribución principal de Orpen que es una serie de conferencias en anatomía. Tanto los estudiantes masculinos como los femeninos fueron admitidos en la Escuela pero, a pesar del estilo de vida bohemio de John, los sexos fueron segregados para las clases de Vida. También asistió Gwen Salmond, quien más tarde se casó con Matthew Smith. Ella actuó como un chaperón para las damas para hacer cumplir la segregación de los sexos. Además de las clases de la vida, el plan de estudios también incluyó clases en la naturaleza muerta, composición de la figura, paisaje y pintura decorativa. A pesar de que la Escuela atrajo a estudiantes del calibre de Henry Lamb y el hecho de que Augustus John fue capaz de co-optar a varios de sus antiguos colegas Slade para conferencias y demostraciones, el proyecto no fue un éxito financiero. El interés de Orpen, que nunca había sido grande, desapareció rápidamente; El interés de John también se desvaneció, a pesar de su entusiasmo por la enseñanza, y en 1907 la Escuela cerró. Esto no debe confundirse con Chelsea School of Art.

Británico | 1873 - 1947

William Josiah Redworth fue un artista visual británico que nació en 1873. Varias obras del artista han sido vendidas en subasta, entre ellas 'Polo Pony al lado de Trees and Vegetation' vendido en Tennants Auctioneers 'Spring Catalog - 3 Day Sale' en 2009. El artista murió en 1947.

El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequeñas, delgadas, pero visibles, composición abierta, énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), materia ordinaria, inclusión Del movimiento como un elemento crucial de la percepción y la experiencia humanas, y ángulos visuales inusuales. El impresionismo se originó con un grupo de artistas basados en París, cuyas exposiciones independientes les hicieron destacar durante las décadas de 1870 y 1880.

Los impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la comunidad de arte convencional en Francia. El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, Sunrise), que provocó el crítico Louis Leroy para acuñar el término en una revisión satírica publicada en el periódico parisino Le Charivari.

El desarrollo del impresionismo en las artes visuales fue seguido pronto por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista.

A mediados del siglo XIX, época de cambio, como el emperador Napoleón III reconstruyó París y emprendió la guerra, la Academia de Bellas Artes dominó el arte francés. La Académie era el conservador de estándares tradicionales de la pintura francesa del contenido y del estilo. Se valoraron temas históricos, temas religiosos y retratos; El paisaje y la naturaleza muerta no lo eran. La Academia prefería imágenes cuidadosamente terminadas que parecían realistas cuando se examinaban de cerca. Las pinturas de este estilo se componían de pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra.  El color fue restringido y se atenuó a menudo más lejos por la aplicación de un barniz de oro.

La Academia tuvo una exposición anual de arte jurado, el Salón de París, y artistas cuyos trabajos se expusieron en el espectáculo ganaron premios, recaudó comisiones, y aumentó su prestigio. Los estándares de los jurados representaban los valores de la Académie, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel.

A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores-Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille- se conocieron mientras estudiaban bajo el académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartieron un interés en pintar el paisaje y la vida contemporánea más bien que las escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban al campo juntos a pintar al aire libre, pero no con el propósito de hacer bocetos para convertirse en obras cuidadosamente terminadas en el estudio, como era el habitual Costumbre.  Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y empleando atrevidamente los vivos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una pintura más ligera y brillante que extendió el realismo de Gustave Courbet y Barbizon colegio. Un lugar de encuentro favorito de los artistas fue el Café Guerbois en la avenida de Clichy en París, donde las discusiones fueron a menudo dirigidas por Édouard Manet, a quien los artistas más jóvenes admiraron mucho. Pronto se unieron Camille Pissarro, Paul Cézanne y Armand Guillaumin

Durante la década de 1860, el jurado Salon rechazó rutinariamente alrededor de la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos en favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. En 1863, el jurado del salón rechazó el almuerzo de Manet sobre el pasto (Le déjeuner sur l'herbe) principalmente porque representaba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Mientras que el jurado del salón aceptó rutinariamente los desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenaron Manet para poner un desnudo realista en un ajuste contemporáneo. El rechazo severo del jurado a la pintura de Manet horrorizó a sus admiradores, y el número inusualmente grande de obras rechazadas ese año perturbó a muchos artistas franceses.

Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que se permitiera al público juzgar la obra ellos mismos, y se organizó el Salón de los Refusos. Mientras muchos espectadores sólo se reían, el Salon des Refusés llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo más visitantes que el salón regular

El término impresionista ganó rápidamente el favor con el público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso de estilo y temperamento, unificados principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Ellos exhibieron juntos -aunque con miembros cambiantes- ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna.

Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden ser considerados los "más puros" impresionistas, en su consecuente búsqueda de un arte de espontaneidad, luz solar y color. Degas rechazó gran parte de esto, ya que creía en la primacía de dibujar sobre el color y menospreciaba la práctica de la pintura al aire libre. Renoir se alejó del impresionismo por un tiempo durante la década de 1880, y nunca recuperó completamente su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder,  nunca abandonó su uso liberal del negro como un color, y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó presentando sus obras al Salón, donde su pintora española había ganado una medalla de segunda clase en 1861,

Y exhortó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que "el Salón es el verdadero campo de batalla" donde se podría hacer una reputación.

Los artistas individuales lograron pocas recompensas financieras de las exposiciones impresionistas, pero su arte gradualmente ganó un cierto grado de aceptación y apoyo público. Su distribuidor, Durand-Ruel, desempeñó un papel importante en esto, ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito del salón en 1879.  Monet llegó a estar seguro financieramente durante los 1880s tempranos y así que Pissarro por el 1890s temprano. Para entonces, los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en algo común en el arte del Salón.

Antes de los impresionistas, otros pintores, notablemente pintores holandeses del siglo XVII como Jan Steen, habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Arreglaron sus composiciones para que el sujeto principal ordenara la atención del espectador. Los impresionistas relajaron el límite entre el sujeto y el fondo para que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeje a una instantánea, una parte de una realidad más grande capturada como por casualidad. La fotografía estaba ganando popularidad, y como las cámaras se hicieron más portátiles, las fotografías se hicieron más francas. La fotografía inspiró a los impresionistas para representar la acción momentánea, no sólo en las fugaces luces de un paisaje, sino en el día a día de la vida de las personas

El postimpresionismo se desarrolló a partir del impresionismo. Durante los años 1880 varios artistas comenzaron a desarrollar diferentes preceptos para el uso del color, patrón, forma y línea, derivados del ejemplo impresionista: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec. Estos artistas eran ligeramente más jóvenes que los impresionistas, y su trabajo es conocido como post-impresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también aventuraron en este nuevo territorio; Camille Pissarro pintó brevemente en una manera del pointillist, e incluso Monet abandonó la pintura terminante del aire del plein. Paul Cézanne, que participó en las primeras y terceras exposiciones impresionistas, desarrolló una visión altamente individual enfatizando la estructura pictórica, y más a menudo se le llama post-impresionista. Aunque estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, el trabajo de los pintores impresionistas originales puede, por definición, clasificarse como impresionismo.