sábado, 23 de junio de 2018



Federico Cantú:
"era un hombre muy sabio y muy experimentado, de esos que sin mas dejaron un gran legado que engrandeció nuestra nación,  de cuna contaba con una formación intelectual y de oficio la mas alta calidad... Pero era también, sin rastro de pedantería o de arrogancia, un humanista interesado en la literatura, poesía y por supuesto en los menesteres del arte, incluida la música barroca que degustaba con gran entusiasmo , y un conversador fascinado lo mismo por los grandes asuntos de complejidad histórica que por la cotidianidad de las peripecias menores de las cuales gustaba de enredarse a manera de protagonista ..."


En 1957 cumpliendo sus 50 años de vida , Federico se ha convertido en uno de los grandes exponentes del arte del siglo XX , “ ha hecho tanto como ha querido” Escultura .pintura , obra mural y grabado
Dos años antes termina ese maravilloso mural dedicado a los Jinetes del Apocalipsis , ahora se da ha la tarea de terminar lo iniciado una década antes en la Pinacoteca Virreinal y dos murales dedicados a el IMSS y es asi como llega con la recomendación de Monseñor  y la guía del Padre Esteban Martínez a lo que será la obra sacra mas completa de su legado. Quizá la oportunidad de trabajar directamente en los planos arquitectónicos de José Villagrán lo lleven ha crear una obra sutilmente excelsa dedicada a los Misioneros de Guadalupe

El proyecto Arquitectónico que comprendía un seminario esta por concluirse en 1957 y es ahí donde Cantú decide aplicar todo ese conocimiento sacro para enredarse en un proyecto que deje claro no solo la capacidad del artista sino su visión del mundo sacro . 

Vitrales y Frescos  




Si bien la figura central del proyecto seria el mural central de la capilla acompañado de un viacrucis al fresco los elementos requeridos primeramente fueron los vitrales , pues sin ellos la capilla no estar aislada de la temporalidad , por ello el polvo y el viento se podrían convertir en el enemigo ideal para la conservación de dicha obra, asi es que abordando primeramente la ejecución de coloración en los vidrios enmarcados por bloques huecos y a manera de grandes y multicolores figuras se inicia la primera parte del decorado.



La segunda etapa es lograr plasmar ideas bíblicas que narran pasajes importantes de la vida y obra de Jesús , para asi dar paso a el desarrollo del viacrucis





Quizá uno de los puntos mas relevantes de la obra en su conjunto es la concepción que en lo global da entrada a la narrativa : El papel picado sugerido en el enramado de los tabicones , la disposición de los temas bíblicos en los vitrales laterales , la iconografía dedicada a las ventilas , la trama del viacrucis pintado con la técnica de grisalla y el elemento central el gran Cristo monumental que sin duda es único pues lo coloca en el limbo de la resurrección elevado por el espíritu Santo y guiado por Dios Padre






Para Cantú este inicio de trazos monumentales pronto se convertirán en la antesala de un sinnúmero de proyectos monumentales que le consumirán la vida artística de mas de una década , sin duda la fuerza y el anhelo de triunfar le serán recompensados y muy bien remunerados a el grado de que en menos de una década Cantú se convertirá en el nuevo icono de la grandiosidad y sin duda el mas grande pintor sacro que la Escuela Mexicana habrá de dejar.




La Adoración de los magos 
Cuando pensamos en la obra de Federico Cantú inevitablemente tenemos que hacer un lato para analizar la aportación de su legado dentro del arte sacro,  porque su iconografía y disposición para el tema deja constancia no solo de un conocimiento enorme del tema sino que paralelamente su estética conlleva un lenguaje que va del renacimiento a la Escuela Mexicana  y sin mas logra en ese camino permear lo nacional dotando su lenguaje de paisajes y momentos nacionalistas





Curiosamente aborda el tema de los Reyes Magos de una manera muy peculiar
Conjugando dos obras graficas anteriores a el vitral de 1957

Dibujos preparatorios y placa de grabado al buril con el tema de Los Reyes Magos 
En esta primer versión y quizá con una idea estética los Magos montan todos por igual caballos y sugiere la estrella de Belén , sin embargo y de manera coloquial decide colocar un perro que va agitadamente ladrando a los caballos logrando de manera estética un gran balance y narrativa peculiar en la pequeña obra .

Del otro lado Federico decide colocar el pasaje que años antes titulo “Natividad en Tamaulipas”  dejando el tema intemporal muy dentro del nacionalismo vivido por él en el norte de nuestra Nación .


Ya en el tema del pasaje dedicado al vitral de la Capilla de los Misioneros , Cantú ajusta el tema a manera de incluir una narrativa mas completa de los dos pasajes , es decir se ve que una multitud sigue a los magos que están en camino de la adoración del Niño Dios 





Vivencias en el Arte por Adolfo Cantú
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Terminamos esta idea con el recibo de obra incluyente en la Colección del Museo Metropolitano de Nueva York donde se encuentran diferentes obras graficas de Cantú incluyendo el tema de la Adoración de Los  Magos




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viernes, 22 de junio de 2018

Federico Cantú 1907-1989
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Detrás de una foto parte I

La composición presenta a el Maestro Federico Cantú , fumando su pipa
En su Atelier de Colonia del Valle es uno de los extremos que conducían a el comedor de la casa , el mismo construyo esta sección ( según lo narra la correspondencia de NY entre 1937-1941 )
Al fondo su pequeño nicho donde se disponían obras de pequeño formato y detrás de él esta una pequeña escultura de su buen amigo Federico Canessi – titulada “La Chispa” que representaba a una de las novias de Canessi 
Y dentro del mueble Federico custodia una gran colección de armas de todos los calibres Y el parque suficiente para pelear una revolución , también ahí el abuelo tenia una cajita de Olinalá donde guardaba dinero en efectivo suficiente para podernos dotar a ocho nietos de nuestra cuota semanal de $8000 pesos.
De lado derecho en el piso solía colocar obras que podría mostrar a la venta
Previamente dispuestas para que el interesado se sorprendiera descubriendo cada una de ellas.
En la parte saliente se colocaba el cuadro tema o cuadro por encargo 
Colocado en el muro falso de madera que ocultaba un rimero donde se encontraban autorretratos y obras que no pretendía vender , por ello siempre estaban ocultas
Y solo en algunas ocasiones nos mostraba junto con la explicación iconográfica.

Bo


1 Federico Cantú – Nadina Garza - Colección Particular
2 Federico Cantú – Autorretrato Arcimboldi - Colección Cantú Y de Teresa
3 Federico Cantú – Rafael y la Formarían – Colección Legado Gilberto Miranda
4 Federico Cantú – Melancolía 32 – Colección Fideicomiso Federico & Elsa
5 Federico Cantú – Autorretrato como Lucifer 1927 – Colección Cantú Y de Teresa
6 Federico Cantú – Melancolía 33 – Colección Fideicomiso Federico & Elsa
7 Federico Cantú – Arlequín triste – Colección Fideicomiso Federico & Elsa
8 Federico Cantú – Proyecto Mural Sahagún - Colección Particular
9 Federico Cantú – Ángel cariátide  – Colección Cantú Y de Teresa
10 Federico Cantú – Mona Casandra – Colección Cantú Y de Teresa
11 Federico Cantú – Maestra Rural – Colección Fideicomiso Federico & Elsa
12 Federico Cantú – Autorretrato  San Juan – Colección Fideicomiso Federico & Elsa
13 Federico Cantú – Flora - Colección Particular


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Nadina Garza – Oleo sobre tela Federico Cantú

El retrato en la obra de Cantú es una constante los dos primeros retratos podemos referirlos a 1921 La Prima Elena y Juanita Cadena de 1922 , ambas obras incluidas dentro de la colección del artista,  son prueba de la maestría y la concepción que a muy temprana edad Cantú tiene en torno a el retrato , ahora abordando el tema de Nadina. 
Por la descripción iconografía podríamos suponer que Federico trato de crear en su entorno un juego de palabas , “Nadina” que podríamos traducirlo como “Ondina”:  que en la Mitología  se llamaban ondinas a las ninfas acuáticas Náyades de espectacular belleza , de ahí que Federico imaginara a Nadina sentada en un estructura forjada por la fuerza del mar y rematada por un caracol dispuesta a la orilla del mar.


Autorretrato Arcimboldi – Escultura, Federico Cantú

Animado por tantas figuras mitológicas donde Federico ya incluía el tema de Flora , Daphne , Pomona, es a finales de los 60s cuando Arcimboldi redefine la iconografía de Cantú , los primeros acercamientos son en figuras y marcos para sus temas de buril llegando a el gran marco en bronce que contiene la Diosa de la Fortuna dedicada a la Lotería Nacional, poco despues surge esta visión pero ahora en el monumento dedicado a Porfirio Barba Jacob donde Cantú hace uso de su maestría y sostiene la imagen del poeta con un friso dedicado a el gran pintor Italiano Giuseppe Arcimboldi.

Melancolía - Oleo sobre tela Federico Cantú

Este tema surgido de la época que Cantú viviera la bohemia Parisina entre 1924-1934
Estará presente durante décadas como tema de caballete , por ello podemos encontrar una decena de obras pintadas en diferentes tonalidades y esta es una de esas hermosas versiones
Lucifer - Oleo sobre tela Federico Cantú



Hay un paralelismo entre Mefistófeles y Lucifer dentro de la obra de Federico, este aparece personaje aparece a partir del Fausto de Goethe que sin duda dejara una huella dentro de la iconografía Cantú el cual gustaba de describir “ a mi me gusta creer en el diablo que es la representación del mal pero me gusta pintar su figura con la clásica cola con la cual se describe desde antes del medievo” de esta manera llega a la idea con un demonio con cara autorretratada con todo y pipa . Autorretrato como Lucifer siempre dentro del rico legado del artista es sin duda uno de sus autorretratos mas hermosos .


Melancolía II- Oleo sobre tela Federico Cantú

En esta segunda versión de melancolía Cantú decide traer la primavera dentro del pequeño lienzo incluyendo una mariposa , el colorido es diferente y ahora retoma la tonalidad del verde logrando una tonalidad mas colorida 

Arlequín triste - Oleo sobre tela Federico Cantú

Federico muestra su primer obra dedicada a el tema de Arlequín en 1929 en la respectiva de Los Ángeles California , en este tema un Arlequín sentado observa su reflejo en el agua que sirve de espejo al pie del personaje.

Sahagún - proyecto coloreado  Federico Cantú

Despues de la destrucción que el Padre Mercadillo generara en torno a el mural de la parroquia de San Miguel Allende , Federico decide regresar con mas fuerza y decisión a el Arte Sacro con tres trascendentes proyectos , primeramente una serie de paneles de ángeles múscidos que posteriormente reproducirá en la residencia de MacKinley Helm en Boston Massachusetts , seguido de la Iglesia de la Purísima en Monterrey y culminando su obra con el inicio de los temas de la Pinacoteca Virreinal, mismos que incluirían otra serie de agáneles músicos y esta gran obra con el tema de Sahagún y sus informantes .


Ángel cariátide -  escultura bronce   Federico Cantú

El tema de los  ángeles cariátides es reiterado en la obra de Federico con una persistencia tal que los lleva dentro y fuera de lienzos, grabados. Esta obra no es la excepción y logra con estos relieves escultóricos el sugerir que dichos ángeles sostienen cada una de sus obras de caballete.

Casandra -  oleo sobre panel madera   Federico Cantú

No son pocas las obras donde Federico refleja la fuerte influencia Europea en su obra en esta sorprendente Mona Casandra decide incluir una serie de iconografías diversas, hace referencia del demonio que surge del triunfo de la muerte , también esta presente una gárgola de Notre Dame al igual que deja presente el remate de piedra labrada de la iglesia de la Profesa sin dejar atrás una figura prehispánica , y por supuesto al centro la bella Casandra que sostiene una flor , sin duda hay algo en ella que también nos lleva a recordar la figura titánica de Leonardo.

Maestra Rural -  mixta madera  Federico Cantú

Federico creció con el concepto Vasconcelista de la alfabetización , sin duda Loreley  fue una de las precursoras de dicho proyecto , con el tiempo Federico fue regresando a ese momento histórico iniciado en los 20s y ya entrados en los 60s logra permear su idea dentro de diferentes libros de texto de la SEP , sin duda la Maestra Rural de Federico es una imagen sumamente amable y reconfortante

Autorretrato como San Juan el bautista  -  mixta madera  Federico Cantú

Una de las miniaturas mas excelsa de Cantú es este magnifico San Juan mismo que tendría que defender su destino de una u otra forma , por fortuna esta obra cuatro veces salvada de diferentes manos se encuentra hoy en dia incluida dentro del patrimonio del Fideicomiso Museo casa estudio Federico & Elsa

Flora -  mixta madera   Federico Cantú

Durante tres décadas consecutivas Federico decide recrear la imagen de Flora en un sinnúmero de obras , este oleo pintado en el Atelier de la Colonia del Valle no es la excepción y nos recuerda de nuevo la inmaculada imagen de Gloria Calero que igual se convierte en Dolorosa , o Diosa mística.
  
Federico Cantú

Cuando Federico decide tomar fortuna en su ultima estancia en NY es primordialmente con la idea de poder construir un atelier y de paso triunfar de una vez por todas en USA para poder dejar atrás mucho de lo que esta viviendo en México desde su regreso de Paris en 1934, esta foto tomada en su atelier aproximadamente en 1973

Vivencias en el Arte por Adolfo Cantú
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sábado, 9 de junio de 2018

Gabriel Fernández Ledesma (May 30, 1900 - August 26, 1983)
was a Mexican painter, printmaker, sculptor, graphic artist, writer and teacher. He began his career working with artist Roberto Montenegro then moved into publishing and education. 


His work was recognized with two Guggenheim Fellowships, the José Guadalupe Posada medal and membership in the Salón de la Plástica Mexicana.
Most of the rest of Fernández Ledesma’s career was related to publishing and education. In 1924, again with Montenegro, he illustrated an edifying book of Lecturas clásicas para niños and contributed to the El Maestro magazine and began a printing workshop to promote the development of engraving in Mexico In 1926, he started a magazine called Forma, sponsored by the government about fine arts in Mexico, remaining as its editor for several years.


 In the 1920s, he also worked as an illustrator for the weekly magazine El Universal Ilustrado. In 1935, he became head of the editorial offices at the Secretará de Educación Pública. Fernández Ledesma edited and published several books on Mexican popular art, including Juguetes Mexicanos, published in 1929.
His relationship with art education began in 1925, as a drawing teacher with the Secretaría de Educación Pública and, then in 1926 at the Centro de Arte Popular. After rejecting the director’s position at one of the Escuelas de Pintura al Aire Libre, Fernández Ledesma, his brothers and Guillermo Ruiz decided to create the Escuela de Escultura y Talla Directo a school for sculpture and carving. The school challenged the idea of art for art’s sake, focusing on handcrafts and popular art, and teaching workers and children. In 1928, he was one of the founding member of the "¡30-30!" movement along with Fernando Leal and Ramón Alva de Canal. This group was noted for its hostility to academia, trying to change how art students were taught, and its conviction that art should have a social purpose above all else.


Fernández Ledesma also organized exhibition of Mexican art abroad. In 1929, he was sent to Spain, in charge of an exhibition of work from students at the Escuelas de Pintura al Aire Libre and the Centro de Arte Popular to the Ibero-American Exposition of 1929 in Seville . In 1940, he and Miguel Covarrubias prepared an exhibition called 20 Centuries of Mexican Art which was shown in New York.


Adolfo Cantú
CYDT Collection

miércoles, 6 de junio de 2018




Un seis de Junio de principios del pasado siglo, nació  en Amanálco de Becerra Estado de México, la pintora Luz Fabila Montes de Oca , una de las primeras mujeres preparatorianas . “Mamalí”: Nombre que se gano a pulso y que aun hoy ostenta en el cielo.  Mamalí fue una abuela a todo dar, ella nos enseño a pintar , a jugar a las cartas, palitos chinos, damas chinas y todos esos juegos de mesa que desaparecieron en el tiempo y que nos hacen pensar en los finos diseños de José Guadalupe Posada, sin duda, desde muy chamacos Mamalí nos permitió hacer y deshacer a nuestro antojo , la abuela, al igual que Loreley que fue también una abuela encantadora para con mi padre, a ambas mujeres les toco la no fácil tarea de ser Madre y Padre a la vez , cada quien a su manera y con visiones completamente diferentes, por un lado una surgió del siglo XIX y la otra del XX.  Hoy en su cumpleaños la recordamos con esa bella costumbre de brindar en ocasiones memorables!!!!! con una copa de sidra! 

El nieto consentio

Bo

domingo, 3 de junio de 2018

Museo CYDT






En diciembre de 2008 desaparecía lo que durante tres décadas fue el estudio de pintura y escultura ahí permanecería lo que alguna vez fue la maqueta original de Fray Servando , en mayo del 2009 se firmo un contrato donde FCF se comprometía a entregar a el Gobierno de NL otra versión en fundición del Fray Servando , despues de un esfuerzo magnánimo por recuperar la obra a penas cuatro semanas despues fue inaugurada en Monterey la escultura , para ese dia ya FCF se encontraba en cama enfrentando diferentes males los cuales lo perseguirían durante varios años durante lo que le restara de vida , el calvario de enfermedades mermo el animo y la vida del artista que murió en su casa de Tlalpan el ultimo dia de mayo del 2013

La importancia de los legados radica en la conservación y difusión de los mismos , para FCF la inmortalidad solo se alcanzaba mediante la obra que el artista produjera a manera de monumento , Fray Servando es sin duda el ultimo u buen aliento de toda una vida de trabajo en busca de la inmortalidad 

Ya en 2013 Elsa y Federico han alcanzado la inmortalidad doblemente legando el acerbo de arte y la casa Estudio de Tlalpan como el próximo recinto Museístico ha manera de historia de familia


Adolfo Cantú





Primeramente La foto 1
Paco y FC en la UIC , el dia que Paco cumplía 50 años y lo dedicamos a una primera comunión multiple con el Padre Chavez

en la segunda foto Fede y papá con la maqueta de Fray Servando Teresa de Mier
la foto la podemos ubicar en la primera mitad de los 90s tomada en el Atelier Cantú- Monasterio








Si bien durante las primeras tres décadas de hermanos Fede Paco y yo
Nos mantuvimos relativamente distantes a el desarrollo de la producción artística familiar , donde habíamos fijado nuestro espertis en la producción , diseño y filmación dentro de la publicidad , la muerte del patriarca Federico Cantú Garza reacomoda el entorno que sin diseño previo había forjado en soledad familiar mi abuelo

De alguna manera y con el deterioro de los años mi papá empezaba hacerse cargo de una serie de obras monumentales tanto en la restauración como en el proceso de recuperación y venta , por mi parte y sin saberlo me toco diseña]r la estrategia de recuperación y venta de Palas Atenea y a menos de dos años estaba manejando en su totalidad la parte legal y recuperación de un legado de mas de ocho décadas

Con la sorpresiva evolución de los temas de Cantú comente con el siempre socio y hermano Paco , que no estaría mal no solo promover la primera exposición familiar misma que llevaríamos acabo en el nuevo museo Amparo sino que de paso el abriera un nuevo siclo en las subastas en Nueva York a manera de integrarlo a él en el grupo que ya formaba parte Fede ( en la producción artística ) y yo en el desarrollo y producción legal , con altas y bajas dentro de este nuevo entorno muy pronto
 Fede iniciaría una nueva carrera propia misma que surgía por la nula administración y los largos periodos de no producción al grado de tomar una de las decisiones mas difíciles que seria ir a buscar fortuna a Quintana Roo sin nada mas que una indemnización por trabajos y sueldos perdidos que incluía una escultura e Cantú Garza
Sin mas Fede tendría un  despegue que cambiaria su vida por completo y lo catapultaría a la ya sin dudad inmortalidad logrando producir una sinnúmero de obras arquitectónicas y escultóricas en Xcaret.

En 2007 y como respuesta del primer diseño de exposición retrospectiva que Paco y yo relazamos para NL en 2004 , es en 2007 que procedimos a reavivar esta idea para el 100 aniversario del abuelo Cantú , mi papá se unió a nuestra idea y pronto presentaríamos seguida de la expo de Estado de Mexico otra en NL y Jalisco
Esta seria la ultima intervención de Paco dentro del grupo y para el año siguiente apenas fijando un pronto calendario , papá quedaba inutilizado para realizar cualquiera de los centenares de trabajos que durante una vida habría ejecutado con la mayor soltura

Recuerdo que en la semana santa de 2009 recibí una llamada del Gobierno de NL
Para ver la producción y entrega de Fray Servando misma que rechace sin embargo
Con la ingenua idea de que con la venta del estudio de San Jerónimo la relación de negocios en el arte con mi padre simplemente se limitaría alguna asesoría , 
Sin duda la vida siempre nos tomara por sorpresa ya que sin saberlo mi papá había adquirido una obligación moral ante todo para la entrega de la obra y al encontrase incapacitado les habría sugerido “si necesitan algo tiene que verlo con Adolfo”

Sin mas en la foto tomada en el verano de 2009 en El Museo casa Estudio Federico y Elsa, estamos animando a mi papá ha que reciba la visita de uno de sus amigos en una tradicional comida de jardín

Fede mi mamá y yo posiblemente la ultima fotografía en grupo con mi papá


Bo

CYDT





En la ultima década y con una creciente idea de definir el futuro de los acerbos 
nos hemos dado a la tarea de conjugar exposiciones donde la Escuela Mexicana de pintura y escultura forma parte primordial del patrimonio familiar – Luz Fabila , Federico Cantú Garza, Francisco Beltrán , F Cantú Fabila , Fede , Paco , Mamá  y yo

Programas de Televisión , documentales, exposiciones , publicaciones , paginas web y cualquier cantidad de exposiciones amalgaman la estructura de una de las familias mas trascendentes en el arte del siglo XX con la idea de crear los vínculos que nos lleven a extender el nombre de familia conjugando los dotes externos como Garza, Jáuregui , Beltrán , Gaetan, Elizarrarás, Fabila …………… extendiéndonos en la rama materna a nuestro vinculo con el Padre Hidalgo y por la rama paterna a los personajes ilustres del Norte y del Estado de México

Sin duda este impulso o motor de ideas y hechos viene genéticamente de muy atrás si bien podría tomar como ejemplo la sed de libertad del padre de nuestra patria también y recordando lo que la tía Magdalena me dijo cuando recibí en 2013 el nombramiento de miembro del consejo del patrimonio de la UANL “ recuerda que tienes un nombre que te hace responsable de toda una tradición familia”

El padre de mi abuelo el padre de ese padre y  asi reiterando el nombre de Adolfo Cantú al siglo XIX , tradición latente que termina en mi persona  



Adolfo Cantú

sábado, 2 de junio de 2018

MIGUEL COVARRUBIAS (1904-1957)

Miguel Covarrubiaswas invited by the 1939-1940 Golden Gate International Exposition (GGIE) that was held on Treasure Island, "to create a mural set entitled Pageant of the Pacific to be the centerpiece of Pacific House, 'a center where the social, cultural and scientific interests of the countries in the Pacific Area could be shown to a large audience.' Covarrubias painted the six murals for GGIE in San Francisco with his assistant Antonio M. Ruiz. The set of murals featured oversized, "illustrated maps entitled: The Fauna and Flora of the Pacific, Peoples, Art and Culture, Economy, Native Dwellings, and Native Means of Transportation. These murals were immensely popular at the GGIE and were later exhibited at the American Museum of Natural History in New York. Upon returning to San Francisco, five of the murals were installed at the World Trade Club in the Ferry Building where they hung until 2001. The whereabouts of the sixth mural, Art and Culture, are unknown and has been the subject of great speculation
Miguel and Rosa married in 1930 and they took an extended honeymoon to Bali with the National Art Directors' Medal prize money where they immersed themselves in the local culture, language and customs. Miguel returned to Southeast Asia (Java, Bali, India, Vietnam) in 1933, as a Guggenheim Fellow with Rosa whose photography would become part of Miguel's book, Island of Bali. The book and particularly the marketing for months surrounding its release, contributed to the 1930s Bali craze in New York. He also spent time in China, where his work was very influential among artists in Shanghai.
Covarrubias’ style was highly influential in America, especially in the 1920s and 1930s, and his artwork and caricatures of influential politicians and artists were featured on the covers of The New Yorker and Vanity Fair
Covarrubias is also known for his analysis of the pre-Columbian art of Mesoamerica, particularly that of the Olmec culture, and his theory of Mexican cultural diffusion to the north, particularly to the Mississippian Native American Indian cultures. His analysis of iconography presented a strong case that the Olmec predated the Classic Era years before this was confirmed by archaeology. In his thesis of a final cultural battle between Olmecs and Maya he was encouraged by his friend, the Austrian Surrealist and ethnological philosopher Wolfgang Paalen, who even went so far to describe the conflict as one of ancient matriarchal culture with new patriarchal orientations in Maya culture with its dominant adoration of the male sun-god Kukulkan. Both Paalen and Covarrubias published their ideas in Paalen's magazine DYN. Covarrubias interest in anthropology went beyond the arts and beyond the Americas—Covarrubias lived in and wrote a thorough ethnography of the "Island of Bali". He shared his appreciation of foreign cultures with the world through his drawings, paintings, writings, and caricatures.

MIGUEL COVARRUBIAS (1904-1957) 
Girl Wearing a Sarong by the Ocean 
(also known as Balinesa con turbante rosa en la playa) 
signed 'Covarrubias' (lower right) 
gouache on paper 19ox13æin.(48x34cm.) Painted in 1937. 
$60,000–80,000 
 

LITERATURE: 
A. Williams and Y-C. Chong, Covarrubias in Bali, Singapore, Editions Didier Millet, 2006, p. 37 (illustrated in color as cover of Asia Magazine, April 1937). Asia Magazine, April 1937, cover (illustrated in color). 
Miguel Covarrubias’s fascination with Bali originated with his frst trip to
the Indonesian island in 1930. He traveled there from New York with his wife, the artist Rosa Rolando, on their honeymoon. Spending six months
on the island, the Mexican artist took extensive notes and made numerous sketches while Rolando took hundreds of documentary photographs of
Bali life and customs. During the long voyage home on an ocean liner, Covarrubias produced gouaches and oil paintings based on his sketches and his recollections.
Covarrubias exhibited thirty-two of these gouaches and oil paintings on Balinese themes at the Valentine Gallery in New York in an exhibition that opened on January 18, 1932. This series and exhibition represent a signifcant turning point in the artist’s career. Celebrated as a highly-regarded caricaturist during the 1920s in New York City—where he had moved in 1923 at the young age of nineteen—Covarrubias was known for his humorous 
and biting satires of the city’s social and political elite as well as for his so-called “negro drawings” and observations of Harlem social life. 



With the support of leading New Yorkers, Frank Crowninshield and Carl Van Vechten, Covarrubias had become a contributor to magazines for the social set such as Vanity Fair, Vogue, and the New Yorker. In addition to its shift in thematic focus, the 1932 Valentine exhibition represents a turn away from illustration and a move toward painting, on which he would increasingly focus his energies. His interest in Bali would also serve as the starting point for the production of ethnographic, pictorial travelogues. 
A Guggenheim Fellowship provided him with some of the funds to return
to Bali in 1933 in order to continue his investigations, specifcally for a book manuscript, which Alfred A. Knopf would eventually publish as Island of Bali in 1937. Covarrubias stayed on the island for a year. During his voyage home to New York, where he arrived in December 1934, he again completed several more paintings on Balinese themes. He also made signifcant progress on the book manuscript, which he had been planning since the frst trip. Life magazine and Vanity Fair reported on Covarrubias’s work on Bali, and he circulated Balinese imagery in various magazines: Vanity Fair (January 1935, and February 1936), Theatre Arts Monthly (August 1936), and Asia (April and June, 1937). The April 1937 issue of Asia featured Girl Wearing a Sarong
by the Ocean on its cover. These contributions inspired a “Balinese vogue” among fashionable New Yorkers as epitomized by the window displays at
the Fifth Avenue department store, Franklin Simon, which included fabric designs with Bali prints by the artist. Even before Island of Bali’s appearance in mid-November 1937, Knopf ordered a second printing to satisfy demand. 


Girl Wearing a Sarong by the Ocean depicts themes at the heart of Island
of Bali—bathing and the romanticized depiction of Bali’s inhabitants and
its landscape. In his exegesis on the customs of everyday life, Covarrubias expounds on the centrality of bathing in Balinese culture, yet his paintings are divorced from the pseudo-anthropological observations he put forth in his chronicles. Here Covarrubias focuses on creating cultural, racial, and sexualized types. Two dark-skinned Balinese women populate a desolate seashore against a deep blue sky. In the background, a fgure with protruding and perky breasts crosses the sand carrying a large bundle on her head while maintaining a graceful pose. Yet, Covarrubias concentrates on the bare- chested fgure in the foreground whose head is in profle view, emphasizing her racialized attributes. The artist takes particular delight in depicting her accoutrements: an abstracted ear plug, her decorative pink head wrap, the beige and green twisted belt at her waist, and the visually-enticing and graphic sarong, a print that may have started the whole Balinese fashion craze in New York. The colorful yet muted stippling efect used for the shore is set against the pattern of the sarong and a variety of minute brushstrokes provide textured contrasts to an otherwise fat and simple composition. 
The artist idealized Bali as a pristine and enchanted land that embodied a vision of social harmony and beauty. The gouache encapsulates the ways
in which Covarrubias was drawn to the exoticism of the “South Sea Island paradise.” As such, like the European traveler artists who came to Latin America in the nineteenth-century, Covarrubias reinvented his own form of a pictorial costumbrismo for the modern age.
 


 
Dr. Anna Indych-López, Associate Professor of Art History, The City College of New York and The Graduate Center, The City University of New York 
1 Adriana Williams, Covarrubias (Austin: University of Texas Press, 1994), 69. See also: Adriana Williams and Y-C. Chong, Covarrubias in Bali (Singapore: Didier Millet, 2005).
2 Williams, Covarrubias, 80 and 82. 
3 Selva Hernández, “A Marco Polo in New York,” in Covarrubias: Cuatro Miradas/Four Visions (Mexico, Editorial RM, 2005), 75. 4 Miguel Covarrubias, Island of Bali (New York: Alfred A. Knopf, 1973; originally published in 1937), 116-118. 
5 Terence Grieder, “The Divided World of Miguel Covarrubias,” Americas (Washington D.C.) vol. 23, no. 5, (May 1971): 24, cited in Williams, 84.





Rosa Rolanda with writer Avery Hopwood